Пианист Станислав Гуминюк: "Музыкальные конкурсы требуют перфектности"

Он первый в Украине исполнитель культовых произведений композиторов-авангардистов (Л.Орнстайна, Г.Кауэлла, Дж.Кейджа, Т.Такемицу, Г.Канчели, Дж.Питтса).

В интервью Станислав рассказывает о специфике исполнительского мастерства, об особенностях современных музыкальных конкурсов, дает советы юным пианистам, для которых такие конкурсы - пока лишь мечта.

- Станислав, вы выступали не только в концертных залах Украины, но и в Великобритании, Франции, Германии, Чехии, Литве. А где состоялось ваше первое международное выступление? Что это был за концерт или конкурс?

- Мой зарубежный дебют состоялся в 2011 году в городе Вальберг, Франция, где проходил международный конкурс фортепианных дуэтов. Конкурс был в два тура, всех произведения исполнялись в четыре руки. Наш дуэт со Светланой Шараповой, которая тоже училась в классе Оксаны Валериевны Ринденко, моего педагога в консерватории, получил третью премию. Тогда первую премию не вручили никому, вторую получили корейцы из Ганновера, а третью мы разделили с аспирантами из Москвы.

- Вы принимали участие во многих мастер-классах и совершенствовали мастерство, в частности, у Нормы Фишер (Великобритания), Массимилиано Фератти (Италия), Бориса Блоха (Украина - Германия), Владимира Виардо (Украина - США), Мартина Касика (Чехия), Клод Франсе (Франция), многих других. Чем важны для вас как для музыканта именно мастер-классы, ведь известно, что каждый исполнитель является представителем своей, отечественной фортепианной школы?

- Все упомянутые вами музыканты довольно разные. У каждого из них есть своя сфера интересов, приоритеты. Одни - больше внимания уделяют техническим моментам, другие - качеству исполнения штриховых нюансов, иные - интерпретации нотного текста. Но если говорить о национальных фортепьянных школах, то не всегда национальность указывает на принадлежность пианиста к той или иной исполнительской школе.

Например, Мартин Касик учился у Лазаря Бермана - представителя советской фортепианной школы. Ярким примером также является хорватский пианист Иво Погорелич, вьетнамский Данг Тхай Шон и другие. В конце концов, в рамках одной школы могут быть кардинально разные музыканты. Достаточно вспомнить Скрябина и Рахманинова. Поэтому сложно унифицировать по общим исполнительским признакам и взглядам исполнительские фортепианные школы.

- Готовили ли вы определенную исполнительскую программу на мастер-класс именно Нормы Фишер в Великобритании?

- Да. Поскольку Норма Фишер уже слушала мое выступление на конкурсе Горовица, я решил подготовить произведения, которых она не слышала, - композиции Моцарта, Шопена, Равеля, Дебюсси.

- А как повлияли на вашу творческую карьеру подготовка к конкурсу Владимира Горовица и участие в нем? В целом, как считаете, - для современного исполнителя важно принимать участие в инструментально-исполнительских конкурсах?

- Каждый конкурс имеет свою специфику. Соответственно, критерии оценивания могут отличаться, многое также зависит и от состава жюри конкурса. Вы правильно заметили - "как повлияла подготовка?" Подготовка обычно - самый важный момент. Иногда важнее, чем сам конкурс, который является результатом длительного исполнительского процесса.

Для меня лично выступление на конкурсе Горовица в 2012 году, наверное, было важнее в моем становлении как музыканта, чем лауреатство 2017 года, ставшее результатом всего предыдущего опыта.

Безусловно, участие в конкурсах очень важно, особенно для молодых музыкантов, которым нужно приобретать сценический опыт. Кроме того, такие мероприятия - дополнительная возможность выйти на эстраду. Конечно, есть много известных музыкантов, которые сделали свою карьеру, не выступая ни на одном конкурсе, но это в основном исключения - например, можно вспомнить Евгения Кисина.

- По вашему опыту участия в конкурсе молодых пианистов памяти Владимира Горовица - какая атмосфера там царила? Возможно, ощущалась отчаянная конкуренция или, наоборот, была сплошная доброжелательность?

- На самом деле, не знаю почему, но конкурс Горовица имеет свою особую атмосферу, в которой понятие конкурса как соревнования не ощущается, это больше похоже на форум, куда пианисты приезжают, чтобы продемонстрировать свой уровень инструментально-исполнительской подготовки, свою интерпретацию и понимание исполняемой ими музыки.

Вообще, современные музыкальные конкурсы требуют перфектности, совершенного исполнения, и, конечно, очень трудно быть совершенным во всем - в сценическом самообладании, психологической устойчивости и технической подготовке. А кроме этого, должен быть очень высокий уровень концентрации. На самом деле на конкурсах довольно часто обращают внимание на сценическую выдержку, насколько кандидат может "влиться" в индустрию музыкальной жизни.

- Припоминаются тезисы из известной книги Григория Когана "Работа пианиста" - он писал, что во время работы над инструментально-исполнительской программой надо быть суровым к себе, беспощадно критиковать свою интерпретацию, искать и добиваться лучшего звучания. Но вместе с тем, когда приближается дата концерта, надо убедить себя в том, что произведение звучит идеально, что его исполнение замечательное, хотя возможности совершенствоваться безграничны. Насколько важна на сцене вера в себя, сценическое самообладание?

- Полностью согласен с Коганом. Важно стремиться к идеалу и критически оценивать свою работу, но когда выходишь на сцену - все сомнения должен "отгонять", ведь слушатель их почувствует. Не всегда у меня этот механизм срабатывает. Очень важно, чтобы рядом были люди, которые могли бы объективно и критически сделать замечание и при этом заверить, что даже такое исполнение уже является хорошим. А вера в себя, в свои силы, исполнительские решения и взгляды чрезвычайно важна.

- Каким принципом пользуетесь в подборе инструментально-исполнительских программ, чтобы эффективно выразить через инструмент свои сильные стороны и яркие качества исполнителя?

- Хороший выбор программы - 50 процентов успеха. Программа должна как можно больше раскрывать разносторонюю одаренность исполнителя и подчеркивать лучшие его качества. И нужно играть музыку, которая нравится: если исполнителю интересно, то и слушатель это почувствует, и ему тоже станет интересно.

Вне конкурса, конечно, нужно учитывать и аудиторию. Например, на одном из последних концертов - Дзензеливских вечерах классической музыки - я исполнял и "Лунную сонату" Людвига ван Бетховена, и произведение современного японского композитора Тору Такемицу. Публику надо воспитывать, задавать новые координаты восприятия, но делать это ненавязчиво и не с диктаторской позиции.

Почему? Потому что находимся в современном музыкальном процессе, и не все новое воспринимается сразу с активным интересом, иногда приходится опираться на уже имеющиеся стереотипы - на то, что люди слышали, что для них знакомо, но, конечно, постепенно выходить на новые "горизонты" музыкального восприятия.

Однако нужно избегать крайностей: если вся музыка будет незнакомой, непривычной, аудитории может стать неинтересно. Важно уважать аудиторию, не исходить только из собственных желаний и интересов.

Например, мой творческий руководитель в консерватории Оксана Валериевна Ринденко пропагандирует комплексный интерес к современному музыкальному искусству, в частности в ее проекте "Творческая мастерская интерпретации современной музыки" это происходит в разных форматах - мастер-классах, лекциях, семинарах и т.п.

- Какая музыка вам лично близка? Возможно, это музыка венских классиков, романтиков, авангардистов?

- До обучения в консерватории я практически не исполнял музыку ХХ века, все заканчивалось произведениями Рахманинова, Шостаковича, Скрябина. На втором курсе консерватории исполнял произведения Мессиана, Орнштейна, других современных композиторов.

На самом деле музыканты, которые еще развиваются, должны на что-то опираться - на устойчивые стилистические формы и принципы исполнения, а современная музыка иногда требует противоположного - разрушает стереотипность мышления, что довольно непросто, например, для студентов, которых еще воспитывают на стереотипах.

Древние греки говорили, что искусство - это наследование. Таким образом, наследование - это одна из первых форм изучения искусства, которую должны усвоить те, кто учится музыкальному исполнительству, хотя на самом деле не может быть двух одинаковых исполнений произведений, ведь два разных человека пропускают нотный текст через себя, свою психологию, мировоззрение, и конечный продукт, звучащий на инструменте, будет тоже другим.

- Вы преподаете фортепиано в Киевском университете имени Бориса Гринченко, и довольно часто студенты, у которых еще нет достаточной концертной практики, очень волнуются во время выступления. Какие рекомендации им даете, чтобы они комфортно чувствовали себя на сцене?

- Когда есть волнение - это же хорошо! Это предпосылка для того, чтобы человек сконцентрировал все свои силы на исполнении. Равнодушный человек, который не волнуется, ничего интересного на концертной эстраде не создаст.

Я часто волнуюсь на сцене, и по-разному бывает - иногда волнение помогает открыть новые грани музыкального произведения. Но для того чтобы избежать негативного влияния волнения в процессе сценического исполнения, важна правильная внутренняя установка в процессе подготовки: нужно постоянно моделировать сценическую ситуацию. Очень хорошо, когда есть возможность кому-то поиграть перед важным концертным выступлением.

- А что могли бы посоветовать юным музыкантам, которые работают над своим мастерством и тоже мечтают о победе на конкурсе?

- Прежде всего надо понимать, что результаты конкурса не всегда отражают результат игры. Часто бывает так, что на одном конкурсе исполнитель "слетает" с первого тура, а на другом через неделю получает Первую премию. Результат конкурса зависит от многих факторов, но после каждого концертного выступления нужно строить заключения: почему выбрали кого-то другого, и чего не хватило именно мне?

Есть факторы, на которые исполнитель не всегда может повлиять. Однако в работе, в подготовке всегда нужно сосредоточиваться на том, что зависит именно от тебя как исполнителя, чтобы на сцене удалось максимально реализовать поставленные перед концертным выступлением или конкурсом задачи.

ИЗ ДОСЬЕ

Станислав Гуминюк в 2010-м окончил Черновицкое училище искусств, в 2014-м - с отличием Национальную музыкальную академию Украины имени П.Чайковского. Играл с симфоническими и камерными оркестрами под руководством Ф.Конти, Д.Грасси, В.Протасова, В.Жатько и других. Победитель и призер десяти международных фортепианных конкурсов, в частности Международного конкурса имени С.Рихтера (Украина, 2006), Открытого конкурса молодых пианистов на соискание премии компании C.Bechstein (2011), Конкурса фортепианных ансамблей в Вальберге (Франция, 2011), Конкурса "Искусство XXI века" в Каунасе (Литва, 2015), Конкурса имени Ж.Франсе в Париже (Франция, 2016), конкурса памяти Владимира Горовица (Украина, 2017), Kyiv international competition (2017).

Первый в Украине исполнитель культовых произведений композиторов-авангардистов (Л.Орнстайна, Г.Кауэлла, Дж.Кейджа, Т.Такемицу, Г.Канчели, Дж.Питтса).