Кристоф Зитцен: "Опасно делать из музыки шоу"

Нынешний год отмечен для украинской культуры появлением проекта Musical Bridges. Кульминацией его стало первое украинское выступление австрийского мультиперкуссиониста Кристофа Зитцена, прошедшее при поддержке Украинского культурного фонда и Посольства Австрии в Украине.

Дебют Зитцена на Зальцбургском фестивале состоялся, когда ему было всего 12 лет, а в прошлом году музыкант получил титулы "Лучший молодой исполнитель" по версии International Classical Music Awards и "Новая звезда сезона 2017/2018" от European Concert Hall. В интервью ZN.UA музыкант рассказал о своем выступлении в Киеве, о том, как перкуссионисты-виртуозы вдохновляют современных композиторов создавать музыку для ударных и о барочном звучании на маримбе.

- Составление программы - это всегда диалог с организаторами, в нашем случае - с Татьяной Калиниченко (соорганизатор и дирижёр New Era Orchestra, в портфолио которой - сотрудничество с топовыми солистами современности, серия украинских и мировых премьер. - А.С.), - рассказывает Кристоф Зитцен. - Она хотела исполнить в Киеве Frozen in Time Авнера Дормана - произведение, которое я играл уже много раз и которое мне очень близко, поэтому я был очень рад предложению исполнить его с Татьяной и ее блистательным оркестром. Помимо этого, мы включили в программу кое-что еще более нестандартное - Attraction Solo Эммануэля Сежурне.

- Каковы ваши впечатления от сотрудничества с New Era Orchestra?

- Прежде мне не доводилось сотрудничать с украинскими музыкантами. Если честно, я мало знал о музыке в Украине до знакомства с Татьяной и New Era Orchestra. Это очень страстный и чрезвычайно преданный музыке оркестр, поскольку, на мой взгляд, музыка - она вся о страсти, и когда ты можешь разделить ее с другими музыкантами, даже если ты не знал их ранее, - это огромная радость.

- Как доставлялись ваши инструменты в Украину? Это же целая коллекция!

- Да, это была самая сложная задача в организации киевского концерта. Нам нужно было найти компанию, которая перевезла бы такое количество инструментов не за огромные деньги. К счастью, такую компанию мы нашли, у нас был целый грузовик, который специально ехал с инструментами из Австрии в Украину, потом водитель остался в Киеве и увез все обратно после концерта.

- Как вы находите баланс с каждым новым оркестром?

- Я думаю, музыка во многом - о коммуникации. Поэтому то, что я стараюсь делать, это коммуницировать со всеми музыкантами - как и с дирижером, конечно.

- Как строится ваш репертуар? Ведь музыки, написанной специально для ударных, не так много по сравнению с более "популярными" сольными инструментами, прежде всего если говорить о "старой" музыке.

- Конечно, нам не хватает музыки "из прошлого". Но, с другой стороны, в наше время много музыки пишется именно для перкуссии. Начиная с первой половины ХХ века, композиторы открыли ударные как сольные инструменты, и затем все больше и больше - как инструменты для камерной музыки. Такие композиторы, как Эдгар Варез, Бела Барток, Дариус Мийо начали делать перкуссию все более значимой. Лично для меня один из путей компенсации того, что нам не хватает "старого" репертуара, это аранжировки. По тому же принципу мы строим репертуар и Wave Quartet (квартет, состоящий из маримб, основан в 2008 году). Помимо Кристофа Зитцена, в него входят его учитель Богдан Бакану, Эмико Учияма и Нико Герстмайер. - А.С.). Четыре маримбы дают нам много возможностей при аранжировке. Например, мы играем концерты Баха, изначально написанные для двух клавесинов, и эта музыка идеально "переводится" на четыре маримбы.

- Можно ли говорить о том, что после переосмысления роли ударных в музыке ХХ века сейчас мы наблюдаем новый виток развития этих инструментов? Например, современные композиторы специально пишут произведения для вас, Мартина Грубингера, других исполнителей, учитывая новые возможности игры на ударных инструментах и их растущую популярность.

- Да, однозначно. Когда есть такие великие исполнители, как Эвелин Гленни, Петер Садло, Колин Керри, это вдохновляет композиторов, и логично, что репертуар расширяется. Благодаря этому мы имеем произведения для перкуссии самых значимых авторов современности, таких как Петер Этвош, Фридрих Церха, Джеймс Макмиллан, Авнер Дорман, Джон Корильяно, которые предлагают большую стилистическую палитру - от авангарда до тональной музыки. Современный репертуар огромен, он включает в том числе и концерты для солирующих ударных инструментов.

- Как меняется техника игры на перкуссии?

- Она эволюционирует. Сегодня ты должен уметь делать действительно невероятные вещи на своем инструменте. Если лет двадцать назад были произведения, которые могли исполнить только пять человек во всем мире, сейчас их играет множество музыкантов уже на стадии обучения. Так что технический уровень вырос невероятно. Особенно для инструментов типа маримбы, на которой 20–30 лет назад перкуссионисты играли совсем немного и вообще не рассматривали ее как "настоящий" инструмент. Сейчас же многие музыканты прекрасно владеют этим инструментом, который стал неотъемлемой частью "семьи" перкуссии. Это тоже часть эволюции.

Юрий Стефаняк

- Вы много работаете с аранжированным материалом. Чем для вас являются, например, аранжированные концерты Баха? Это новый взгляд на привычный репертуар - или его популяризация для более широкой публики посредством свежего звучания?

- Думаю, и то, и другое. Когда мы исполняем Баха на маримбе, мы пытаемся адаптировать маримбу к Баху, а не Баха к маримбе. Поскольку все мы (Wave Quartet. - А.С.) много изучали исторический подход к исполнительству, мы стараемся оставаться верными музыке. Но, конечно, мы также обладаем другими возможностями, играя на маримбах, а не на клавесине, и мы хотим эти возможности использовать, вместо того чтобы отрицать их.

В то же время я считаю, что ударные инструменты очень популярны среди молодежи, поэтому однозначно перкуссия способна привести молодую аудиторию к "старой" музыке. Это настолько богатая, фантастическая музыка, что она просто должна быть открыта. Если мы можем внести свою лепту в популяризацию этого репертуара - это прекрасно.

- Можно ли говорить, например, об особом барочном звуке на ударных? Как в принципе добиться на ударных стилистических различий для, скажем, барочного, классического, романтического репертуара?

- Все зависит от того, что у тебя в голове, как ты себе представляешь звучание музыки, которую играешь. Исходя из этого, находятся методы игры и их использование, потому что ты многое можешь изменить в способе игры. Все начинается с тела, с того, как ты используешь пальцы, руки. Существует множество факторов, которые можно менять. Разумеется, необходимо менять и стиль фразировки. Это один из самых важных параметров, ведь ты должен быть способен осваивать "языки" каждого времени, каждого исторического периода. Для этого нужно слушать много музыки и погружаться в эпоху, музыку которой ты исполняешь настолько глубоко, насколько это возможно. В особенности это касается барочного звучания на перкуссии. Клавесинные концерты не были написаны для маримбы, но в наших силах изменить ее звучание, исходя из понимания стиля того времени.

Для меня всегда большое счастье играть с барочными оркестрами, использующими исторические инструменты, такими как L'Orfeo Barockorchester в Австрии или Academy of Ancient Music в Великобритании, потому что их музыканты обычно очень рады взаимодействию наших инструментов, такой симбиоз отлично работает. Когда вы говорите на одном языке, не так важно, на каких инструментах вы играете. Это просто музыка.

- Что сегодня происходит с музыкальным исполнительством? Нужно ли музыкантам предлагать больше шоу, чтобы привлекать публику в концертные залы?

- Есть разные способы привлечения публики в концертные залы. Молодежь часто пугают концерты, походы на них кажутся слишком формальными. На мой взгляд, музыка не такая уж и старая, и это грустно, что ореол вокруг академической музыки может кого-то отпугивать. Очень важно говорить о музыке разными способами, дабы показать людям, что в ней много жизни. Если донести это до публики, то музыка сама по себе не должна быть шоу, внутри нее уже достаточно "шоу" в хорошем смысле. Там ведь столько всего происходит!

Например, в симфонию Бетховена или концентры Баха нет необходимости что-либо добавлять, чтобы сделать их более интересными, музыка интересна сама по себе. Было бы обидно, если бы над всем этим надстраивалось нечто, что, наоборот, скрывало бы смысл самой музыки. Думаю, делать из музыки шоу может быть даже опасно. Самое важное - это просто жить музыкой и наслаждаться ею. И тогда, хочется верить, публика будет делать то же самое.