В Киеве отцвели каштаны, и в реестре мировых театральных фестивалей прибавился еще один - Международный театральный фестиваль городов-побратимов «Киев майский». Двенадцать дней последнего весеннего месяца сделали Киев огромной театральной площадкой, на которой можно было лицезреть невиданные доселе зрелища, встретиться со знакомыми театрами, но в новом их творческом качестве, увидеть знаменитые коллективы, о спектаклях которых можно было только мечтать. Да и не лишнее было пересмотреть спектакли киевских театров-участников фестиваля. А для кого-то это была, может, и первая встреча с ними. Сцены девяти муниципальных театров Киева были задействованы в фестивальных мероприятиях, не говоря уже о многочисленных акциях, проходящих в рамках фестиваля. Организаторы «Киева майского» пытались строить свою программу на главных принципах современных фестивалей - доступности и демократизме. Как у любого серьезного дела была и высокая идея - через театр вернуть общество к утраченным или загубленным ценностям, прочитав по-новому Человека в новом Времени и Пространстве.
Своеобразным эпиграфом фестиваля, который в этом году делал акцент на национальных особенностях различных культур, стала фраза «Эпоха. Город. Площадь. Сцена. Увидеть.-Услышать.-Понять». Скажу честно, увидеть и услышать было непросто, потому что спектакли шли одновременно в нескольких театрах, и полная фестивальная картина составлялась сложно. Поэтому «понять» приходится из того, что удалось увидеть и услышать. На мой взгляд, такое одновременное «существование» многих спектаклей порождало самое неприятное - полупустые залы в некоторых театрах. Профессионалы и театралы просто везде не успевали, а потенциальным киевским зрителям проникнуться проблемами фестиваля, очевидно, мешали другие, более важные проблемы. Так и создавалась ситуация, процитирую одну из пьес фестиваля, для актеров «совершенно невыносимая, когда на них никто не смотрит». Что ж, может, со временем и киевляне достигнут той зрительской подготовки, какую имеют жители, например Эдинбурга, смотрящие во время своего знаменитого фестиваля более 900 спектаклей одновременно. Может быть. Тем более, что Эдинбургский фестиваль - один из эталонов для «Киева майского». Ну а пока что первый киевский опыт. Начало - это всегда трудно, непросто и организационно, и финансово, и творчески. Поэтому, наверное, устроителям пришлось отказаться от принципа участия в фестивале театров только из городов-побратимов Киева. Привлечение ярко национальных, этнографических коллективов из Индии, Латинской Америки, Африки, Шотландии расцветило и украсило палитру фестиваля, но это были не театральные спектакли. Понимаю проблемы организаторов фестиваля, но все же в приверженности обозначенным принципам следует быть последовательными. Тут же стремлюсь объяснить эту непоследовательность огромным желанием устроить настоящий праздник искусств, каскад зрелищ и действ, как можно шире раздвинуть культурные границы Киева, показать киевлянам разнообразнейшие художественные жанры и течения. Убедительно? Согласна. Праздник состоялся. Уровень фестивальных спектаклей был разный, впечатления неоднозначные. Но даже тогда, когда есть два по-настоящему хороших спектакля, спектакля-события, можно считать, что любой фестиваль удался. На «Киеве майском» довелось увидеть несколько спектаклей высокого уровня. Вывод понятен.
Камерности спектаклей, идущих в театрах, противопоставлялась грандиозная программа уличных представлений, проходивших в рамках фестиваля. Особенно ярким и запомнившимся киевлянам было открытие фестиваля, проходившее шумным карнавальным шествием театров-участников по праздничному Крещатику. Завершилось оно феерическим музыкально-театрализованным представлением - премьерой оперы «Бульба. Син Андрій». Наблюдая за зрительским восприятием, мне подумалось, что вот такими примерами современного переосмысления классики с тем эмоциональным воздействием современной интерпретации классических мотивов возможно привлечь внимание зрителей к серьезной музыке, к серьезному вокальному исполнению. Взгляд на конфликт Тараса Бульбы и его сына, полюбившего польскую панночку, с иной, непривычной для восприятия гоголевского текста, точки зрения, позволил творческому коллективу (композитор И.Небесный, либретто Ю.Жигун, поэтические тексты В.Неборак, режиссер В.Малахов) выделить тему любви в отдельный сюжет и поставить этот конфликт на уровень противостояния национального сознания и морали европейского христианского общества. В опере задействованы мощные творческие силы: Государственная мужская хоровая капелла им. Л.Ревуцкого, Государственный эстрадно-симфонический оркестр, Киевский экспериментальный театр, Ансамбль ударных инструментов «АРС НОВА», Театр лилипутов «Веселка». Фантазия режиссера свела в едином действе музыку и драму, эксцентрику и пиротехнические эффекты. На концертной площадке под открытым звездным небом на фоне стилизованного изображения украинского вертепа бродили огромные персонажи на ходулях, веселились лилипуты, страдали Андрий и Панночка, негодовал Бульба, комментировал события, как в античной драме, хор славных казаков, взрывались снопы разноцветных фейерверков. И все это под звуки воистину «небесной» музыки Ивана Небесного.
Но вернемся под крыши театров. Одесский театр драмы и комедии «Встреча» представил на фестивале спектакль «Смерть стрекоз» по мотивам пьесы Т.Стоппарда «Розенкранц и Гильденстерн мертвы». Актеры театра работают в режиме эксперимента. Именно так я бы охарактеризовала их стремление еще пуще переосмыслить Стоппарда, который в свою очередь уже переосмыслил Шекспира. Природа экспериментаторства таит в себе неограниченные возможности, но спектакль одесситов продемонстрировал, куда может завести эксперимент, если не определены четкие границы художественного вкуса. Совершенно иное восприятие от изобретательной актерской импровизации возникло на спектакле «Триумф Занни» театра «Пантакин да Венеция» (Италия). Пьеса жанра комедия дель арте. Традиционные маски здесь воплотились в образы скупого старика Панталоне, бахвала Капитана, обворожительной Анжелики, веселого сообразительного слуги Занни. Ансамбль получился великолепный - действие стремительное, искрометный итальянский темперамент, блестящая импровизация актеров. Песни, живая музыка, пантомима, использование отдельных русских слов, решивших проблему языкового барьера и сделавших понятным все происходящее, каскад уморительных лацци-трюков, которые на высочайшем уровне демонстрировали актеры - все это соединилось в веселом и увлекательном действе, показавшем, как может выглядеть сегодня буффонадное народное зрелище итальянского театра, корни которого затерялись где-то в столетии шестнадцатом. Московский театр «Около Дома Станиславского» привез на фестиваль Ностальгическое кабаре «Русская тоска». Опять вспомню Эдинбургский фестиваль, так как этот спектакль отмечен его наградой «Frince First». Творчество Ю.Погребничко, художественного руководителя театра, всегда вызывает интерес. А «Русская тоска» привлекла внимание киевских театралов еще и потому, что главную роль в спектакле исполняла бывшая киевская актриса Наталья Рожкова. В общем-то, драматическим спектаклем в чистом виде «Русскую тоску» назвать трудно. Это ироническая пародия на концерт популярной песни в его провинциальном варианте, эдакие «Старые песни о главном» на театральной сцене. Своеобразная выразительная голосовая палитра Н. Рожковой, исполняющей песни с тончайшим чувством юмора, сделали «Русскую тоску» отнюдь не тоскливым зрелищем. Белорусский Национальный театр им. Янки Купалы был представлен молодой режиссурой в двух спектаклях «Кровавая Мери» Д.Бойко (реж. А.Гарцуев) и «Волшебная ночь» С.Мрожека (реж. Д.Маринин, Д.Солодуха).
Мрожек-драматург привлекает внимание многих театров. Белоруссы показали фантастическую историю, в которой обыденность смешалась с романтикой, реальность с мечтами. Текст пьесы наполнен словесным и ситуационным юмором. В камерной обстановке на небольшой сцене Киевского театра «Колесо» актеры А.Подобед, В.Филатов, И.Усович сыграли «сон», в котором пытаются разобраться со своими мечтами, желаниями, уяснить для себя же - какой я на самом деле. Сон этот был так увлекателен, что зрители с удовольствием побывали в нем. Еще один участник фестиваля - Московский театр «Тень». Название говорит само за себя. В этом театре все построено на изображениях, проецируемых с помощью света, линз, зеркал на матовый занавес-экран. Делают все это всего два человека - М.Краснопольская и И.Эпельбаум. Спектакль-концерт «Метаморфозы» продемонстрировал чудеса графического искусства. Художник под звуки музыки придумывал замечательные «превращения» рисунков. Ноты и аккорды диктовали, где карандашу остановиться, а где помчаться по белому листу, оставляя за собой замысловатые фигуры. Актеры представили различные техники теневого театра, имеющего уникальные возможности для фантазии и визуальной импровизации. Те зрители, что поместились в уютном зальчике Театра марионеток, имели возможность убедиться, что графические анекдоты - это тоже очень смешно. Настоящим потрясением для зрителей, можно сказать эмоциональным пиком фестиваля, стал спектакль «Сталинградская битва» Тбилисского театра марионеток под руководством Резо Габриадзе. Объяснить силу воздействия этого спектакля непросто. Он поразил своей целостностью, искренностью, болью, состраданием, огромным желанием автора заставить людей задуматься. Над всем. Над своей судьбой, над своим жизненным уделом, над судьбой сотен других людей. Задуматься даже над жизнью и смертью одинокого маленького муравья, затерявшегося в том сталинградском аду. Спектакль охватывает время предвоенных годов до Сталинградской битвы, на сцене показаны Берлин, Москва, Киев, Сталинград. Главная линия - любовь юноши Алеши и девушки Наташи, на фоне этой любви разворачивается трагедия человечества, втянутого в безумство войны. Казалось бы, как можно рассказать о тех страшных событиях с помощью плоских нарисованных куколок, маленьких марионеток? Оказывается, можно, да так, что зрители едва сдерживают слезы. Каким-то фантастическим умением Резо Габриадзе заставляет простые слова своих героев складываться в философские истины. Событиям он придает такую глубину обобщений, что остается лишь согласиться с Ч.Амиреджиби, который написал об этом театре: «То, что я видел, выше человеческого мышления».
Не хотелось забывать о сентенциях о своем отечестве и его пророках. Но желая быть гостеприимными хозяевами, нужно прежде всего уделить внимание творчеству гостей. Тем более что о киевских спектаклях писалось и пишется, а киевлянам лучше всего составлять собственное мнение, смотря эти спектакли. Замечу одно, на фестивальном фоне киевские театры не проигрывали своим коллегам из ближнего и дальнего зарубежья. Два последних дня фестиваля завершились для зрителей приобщением к пока не очень известному в Киеве жанру театрального искусства - уличному театру. Происходили уличные спектакли на территории Киево-Могилянской академии, где хозяевами - Киевским экспериментальным театром был показан спектакль «Марко Пекельный» (реж. А.Петров), а Краковским театром КТО - спектакль «Запах времени» (реж. Е.Зонь). Уличные спектакли предполагают особый способ существования актеров. Здесь все должно быть гипертрофированно, ярко, зрелищно. Отсюда ходули, огромные маски, яркие костюмы, фейерверки, всевозможные эффекты, игры с огнем. Спектакль «Марко Пекельный» можно назвать произведением бесспорной национальной принадлежности. В нем угадываются параллели с «Энеидой» и построен он на мотивах украинского эпоса, фольклора. На любом международном фестивале этот спектакль сможет стать просто-таки визитной карточкой украинского театрального искусства. Спектакль поляков несколько другого направления. Его тему можно отнести к разряду общечеловеческих. Рассказана история мальчика, который вступает в жизнь и постигает ее. Добро и зло ведут на его глазах свой вечный спор, и он решает, чью сторону принять. Время надвигается на него, испытывает его неокрепшую душу, заставляет делать выбор, становится взрослым человеком. Так же, как этот маленький мальчик, одурманенный запахом времени, пыталась и я ощутить запах времени. Но театрального. И думала о театрах, которые живут в этом Времени, о зрителях, которых они хотят вовлечь в координаты своего Пространства. Завоевать зрителя непросто. Чтобы смог он ощутить прелесть ароматов театрального времени, его нужно заинтересовывать, приучать, воспитывать. Это дело не одного года и не одного раза. Так что у «Киева майского» - работы непочатый край.